“CONTRASTES” NUEVO DISCO DE MIGUEL RIVERA

“El flamenco son versos, y si esos versos los extiendes dejan de tener el propio sentido de la estructura”

por Manuel Moraga

Le ha tocado ser flamenco, pero bien podría haber sido tanguero, sonero o jazzero, porque lo importante para él es la música como forma de comunicación, como tesoro a compartir. Espiritualmente, Miguel Rivera es músico confesional y, en sus adentros, flamenco practicante. Su sentir es flamenco, pero su estructura mental y creativa es capaz de procesar cualquier combinación de notas, venga de donde venga y vaya a donde vaya. Manolo Sanlúcar, Serranito o Joan Manuel Serrat son personajes que han marcado su camino. Esa amplitud existencial le hace concebir obras como “Contrastes”, su último disco, muy recomendable para los amantes de la música en general y para los flamencos sin prejuicios.

¿Cuántas guitarras tienes?
Ahora mismo tengo seis guitarras

¿Cada una con una personalidad diferente?
Sí, sí. Tengo una de Palosanto de Río, que ahora ya no dejan construir, también tengo una de ciprés de Esteso del año 1966, otra de Esteso de 1981, otra de 1985, otra de 1995, y también tengo un regalo de cuando toqué en El Salvador: una guitarra de cocobolo, una madera de Centroamérica parecido al Palosanto

En “Contrastes” utilizas una de Arturo Sanzano y otra de Conde Hermanos ¿Con qué criterios selecciones el instrumento?
Lo importante en este caso es que la guitarra con la que grabo afine muy bien, que no te diga bien por un sitio y que por otro no. Y luego, que esté bien balanceada, que tenga un buen balance entre graves y agudos. Y también, por otro lado, que tenga la comodidad requerida: la guitarra con la que tocas en un estudio no suele ser la misma que puedes llevar en directo. Para estudio son guitarras más cómodas, Y, sobre todo, que sea una guitarra muy flamenca.

¿Cómo definirías tu estilo?
Abierto al diálogo. Espiritualmente requiere ese intercambio de comunicación, de ideas, que es la única manera de sacar realmente conclusiones o lecturas positivas. Siempre he investigado la posibilidad de tocar con un piano o, como en este disco, meter una cuerda, que también es todo un reto. Persigo ese tipo de mezclas, buscar armonías que permitan meter voces saliendo un poco de la estructura, no rígida pero sí ortodoxa flamenca. En este momento me he identificado con este tipo de sonoridades o de planteamientos.

“Este disco es como una composición, no coreográfica, puesto que no hay baile, pero sí estética”

El mismo dibujo de la carátula, ese avión de papel que recorre diferentes espacios habla un poco de esos diálogos.
Esta conversación la tuvimos con Matía Herrera, que es quien la creó. Ella es una pintora venezolana, una mujer muy considerada, joven y con un talento evidente. Consideramos estos comentarios que te decía en referencia al porqué de la música. Hay un tema, por ejemplo, que es consecuencia de la amistad que tengo con Eduardo Martín, un compositor cubano muy reputado en toda América a nivel Conservatorios y sus obras se estudian en guitarra criolla o clásico-sudamericana. Entonces todas estas conclusiones las tuvo en cuanta la pintora. Hay un lenguaje común, que es la música y una cultura común que es la hispana pero, por supuesto, puenteándola al flamenco. Este tema de Eduardo Martín es cubano, pero yo le hice un arreglo, compuse también una tercera parte y se ha transformado en un toque de ida y vuelta, entendido como un zapateado. Evidentemente es un toque autóctono cubano que he transformado en un zapateado. El título, “De La Habana a Cádiz”, refleja este proceso.

¿En qué momento personal y artístico nace este disco?
El trabajo es un cúmulo de experiencias de los últimos cinco años, en los que compongo algunas obras. He trabajado algunas veces en Japón y he hecho algunos libretos, de manera que son conclusiones de estas experiencias de mis viajes con Serrat a Sudamérica, de trabajar en este tipo de formación. Por ejemplo, con Serrat tocas y estás escuchando por cascos una claqueta de ritmo o una base de guitarra sobre la cual tienes que tocar. Es decir, que hay elementos difíciles pero que todos armonizados, el resultado es muy positivo y, sobre todo, con una gran pulcritud en lo que se refiere al ritmo, al tiempo, pulcritud de la sonoridad. He intentado tratar al máximo estos aspectos y creo que dan resultados.

Escucho el disco y entiendo que todos los elementos musicales están dispuestos para favorecer la melodía.
Efectivamente. La melodía es para mí primordial. Es la esencia del mensaje, independientemente los arreglos o de las armonías que se utilicen. La melodía está cuidada y todo redunda o apoya esa melodía inicial o vital dentro del tema.

Y valoras mucho la limpieza y la nitidez de cada una de las notas
Es lo que te comento. Esa exigencia me viene de tod0s esos requerimientos previos en los que tienes un compromiso muy concreto en un determinado momento y requiere una presencia específica de esas notas o ese pasaje en concordancia con todo lo que está ocurriendo alrededor. Hemos cuidado eso mucho, sí. Para nosotros ha sido muy importante.

“Con Serranito he aprendido con él muchas cosas, como la vida en el teatro, la complicidad, la complejidad, la experiencia… Le estoy agradecido por toda esta enseñanza”

Hay muchos títulos con invocaciones a los sentidos: “Cálida brisa”, “Dulce pasión”, “Arcoiris”… ¿Buscas el sentimiento a través de la sensación?
De alguna manera, eso te sugiere algo. Muchas veces lo comento con amigos: ¿qué te sugiere esto? Y luego contrastamos posibles ideas. Por ejemplo, el título “Burbujas de nácar” me lo propuso mi hija Eva cuando escuchó el tema. No significa nada pero suena hermoso. En “Arcoiris” se refleja la mezcolanza de esos colores vitales: hay cuerdas, pianos, hay un cúmulo de sonoridades. “Amanecer en Madrid” también sugiere algo: una melodía suave que va in crescendo, como en el caso del amanecer hasta que llega la luz total del mediodía. “Cálida brisa” es una rumbita que evoca ciertos caracteres de la música cubana; Cuba es para mí una seña muy importante en mi música.

Me sorprendía escuchar tanta cuerda en un disco de flamenco y, la verdad, queda muy bonito. Me recordaba un poco al trabajo de Serranito con la Camerata Romeu.
En realidad no puedes apreciar el resultado hasta que el trabajo no está hecho. Evidentemente lo has oído antes en tu cabeza, pero siempre deriva en terceras personas, en responsabilidades que no son ya las tuyas en lo que se refiere a la afinación, al tempo y a la dinámica que pueda llevar el tema, pero sí, el resultado queda muy atractivo, hermoso. La guitarra empasta muy bien con la cuerda.

Es como si te fuera sosteniendo los silencios de guitarra
Efectivamente, ahí hay silencios y respuestas. En “Amanecer en Madrid” hay contestaciones: uno sugiere algo y el otro contesta. Esos lenguajes son en sí la música, un diálogo, pero el mensaje es flamenco. En ningún momento me aparto de lo que son las sonoridades flamencas o lo que es ese poso nuestro, esa raíz que no sólo no se pierde en ningún momento, sino que definitivamente siempre está ahí.

¿Hay alguna pieza del disco que te haya costado más trabajo terminarla, darla por cerrada?
Hubo piezas que se quedaron planteadas, estructuradas, pero a falta de acabado, sobre todo en la resolución de ciertos pasajes y eso me planteó algunas dificultades. Por ejemplo, en la taranta y en los solos de guitarra, donde el compromiso es más fuerte al no tener el abrigo de nada. Este tipo de temas han sido más dificultosos, quizá por el puro concepto y no por el hecho de composición, sino por conseguir algo que realmente transmita alguna emoción. Eso no siempre resulta fácil.

¿Cómo es tu trabajo de composición?
Es un trabajo de investigación y también de análisis de otras músicas dentro de la esencia de la guitarra. Eso te va sugiriendo otras cosas y en ese tipo de sugerencias es donde entra la definición de ideas que luego hay que plasmarlas. Una vez definidas hay que ver qué métrica se le da y qué estructura, es decir, dentro de qué palo puedes encauzarla.

No veo “Contrastes” como un disco expansivo, sino que llama más bien a una escucha reflexiva
De alguna manera he intentado eliminar elementos añadidos innecesarios, decoraciones que quizá sean sobrecargadas. Creo que un mensaje tiene unas determinadas frases y es como un verso: si lo haces prosa pierde la pegada que en sí tiene la poesía. No por ello deja de ser profundo escribir en prosa, por supuesto, pero el flamenco en gran medida son versos, y si esos versos los extiendes deja de tener el propio sentido de la estructura. Aplicando ese concepto, sí cabe determinar el trabajo en estos parámetros. El trabajo puede sugerir muchas cosas, pero lo que sí es cierto es que hemos tratado de esencializar, de dar una esencia, una sensación o sobre una emoción.

Miguel Rivera "Contrastes" - [Creativos independientes]

“No me han limitado ni me han impuesto nada, y eso facilita la claridad de ese posible mensaje”

Te has rodeado de un puñado de colaboradores den gran calidad artística, como Eva Durán o Mariano Cruceta, que para mí es un bailaor y coreógrafo de gran talento y aquí le escuchamos en la percusión.
Mariano es un extraordinario bailaor. Su concepto de la danza la refleja muy bien en le misma estética de la rítmica, de la percusión (por cierto, hay coreografía en todos estos conceptos). Mariano es un artista extraordinario. Ya habíamos colaborado juntos en distintos proyectos y por esa amistad, y por su talento, le propuse colaborar también en este disco.

¿En qué sentido hay coreografía en este trabajo?
Coreografía en el sentido estético. Por ejemplo, en el caso de “De la Habana a Cádiz” va de menos a más, y se trata de que en cada pasaje se le incorporen ciertos instrumentos percutidos… Es como una composición, no coreográfica, puesto que no hay baile, pero sí estética.

Dedicas el disco al maestro Serranito
Sí porque he trabajado con él quince años y he aprendido con él muchas cosas, como la vida en el teatro, la complicidad, la complejidad, la experiencia… Le estoy agradecido por toda esta enseñanza. Ya no colaboro con él porque tiene ahora otros esquemas, otra gente, otros amigos. Pero este disco quiere reflejar, además de ese agradecimiento, su labor en el teatro y la personalidad que, sin duda, representa Serranito como el artista más importante de la guitarra flamenca, al menos en Madrid. A Víctor le he regalado el disco y lo hemos escuchado juntos, como también lo he hecho con Rafael Riqueni, y las sensaciones que hemos tenido han sido agradables y positivas. De alguna forma, compartes la música, que es de lo que se trata

Viene muy bien que salgan discos con ideas tan claras como las que propones. Es bonito que haya estéticas diferentes y se agradece que haya guitarras tan limpias, con mensajes tan definidos…
Lo que ocurre es que dentro de la búsqueda interna que tenemos todos, hay propuestas que pueden ser más acertadas o menos independientemente del talento del artista. En mi caso, PeerMusic, que es quien ha editado el disco, no me han limitado ni me han impuesto nada, y eso facilita la claridad de ese posible mensaje. Quizá en otras circunstancias la gente graba materiales que a lo mejor están previamente condicionados por un marketing o por una serie de propuestas que no van siempre de acuerdo con el contenido en sí.